viernes, 21 de abril de 2017

Anime no Shiro: Death Note el nuevo mundo

¡Konnichiwa dominguers!

Hoy no hay Anime, hoy toca la última adaptación cinematográfica de una serie Anime mundialmente conocida la cuál llegará a nuestro país de la mano de Mediatres estudio. La película, además de lanzarse en formato físico se estrenó ayer en exclusiva en algunas salas del grupo Cinesa.

Bueno vamos al tema, hoy os traigo Death Note: El nuevo mundo.


Han pasado 10 años desde la muerte de Light y L y en la tierra aparecen 6 nuevos Death Notes.
Sus dueños, como suele ocurrir, empiezan a utilizar sus nuevos cuadernos para intentar hacer el bien o por simple diversión.

Pero uno de ellos que se hace llamar el Hacker de la Paz, actúa de una manera exacta a como lo hizo light en su día con el Death Note en sus manos. Esto, junto a un vídeo donde se ve a Light, alerta a Tsukuru Mishima, agente de policía, que empiezan a buscar desesperadamente al autor de los acontecimientos.


Todo se vuelve más loco cuando aparece un detective privado heredero del ADN de L, que como en el su día hizo, luchará para encontrar a todos los Death Notes y ayudar a la policía a reunirlos y guardarlos bajo llave. Por otra parte tenemos a otro individuo que quiere hacer lo mismo, reunir todos los Death Notes, pero con otro fin.

¿Creéis que aquí acaba todo? Pues solo os digo una cosa más, Light también tiene heredero de su ADN.


Pero si todo esto os deja con ganas de más, os invito a que vayáis a ver esta gran secuela llena de secretos, tramas enrevesadas, Death Notes y Shinigamis. ¡Como iban a faltar! Nuestro amigo Ryuk vuelve junto a nuevos dioses de la muerte.

Ya sabéis que Death Note es un manga, con su adaptación Anime y fue tan bien aceptado que se han hecho hasta 3 adaptaciones a película de imagen real. Dos de ellas con la trama principal de la serie original y otra centrándose en un nuevo caso de L.

¡Hasta la próxima! ¡¡Arigatou!! 

miércoles, 19 de abril de 2017

La Biblioteca de Margot: Art School Confidential

¡Muy buenas dominguers!


Esta vez os traigo una comedia negra del 2006 dirigida por Terry Zwigoff y basada en el cómic homónimo escrito por Daniel Glowes, con el que ya colaboró anteriormente realizando la adaptación de su otra novela gráfica Ghost World.

La historia cuenta la vida de Jerome Platz, un joven artista de mucho talento que decide apuntarse en una modesta escuela de arte, la Strathmore Institute. Jerome tiene grandes aspiraciones e intenta impresionar a la chica que le gusta con sus facultades pero una vez allí debe enfrentarse a los favoritismos, la pedantería y unos valores artísticos que nada tienen que ver con sus obras. A pesar de ser una comedia con mucha sátira, la película es una continua reflexión sobre la concepción artística y la figura del artista en el mundo contemporáneo. Además Zwigoff deja que las bromas se amplifiquen y el ingenio fluya con su despliegue de desagradables estudiantes y artistas oficiosos que son demasiado reales para ser caricaturizados con la pomposidad de la grandeza y los que la adoran, incluyendo al profesor Sandiford (John Malkovich). 


A lo largo de la película seguimos el constante descenso psicológico a los infiernos de Jerome. Comienza como un chico feliz y ansioso con sueños y poco a poco evoluciona en un descorazonado, deprimido y suicida fracasado. Esto sucede porque su arte no es apreciado en absoluto, porque se da cuenta de lo arbitrario y tediosamente enervante que el mundo del arte en realidad es, y porque su musa y obsesión no le presta ninguna atención frente a artistas mediocres. 

En definitiva, un film entretenido y divertido que además de contar con un buen reparto y una ambientación más que notable invita a la reflexión y la crítica. Especialmente recomendada para artistas frustrados de cualquier ámbito y para gente desencantada con el mundo en general. Bienvenidos seáis nihilistas.

Os dejamos como siempre con el trailer:


Margot

sábado, 15 de abril de 2017

Noé

¡Muy buenas Dominguers!

Cómo aún estamos en semana santa, se me ha ocurrido recomendaros algo acorde con éstas fechas de celebración para muchos y excusa vacacional para otros. Pero tranquilos, que no voy a traeros los 10 mandamientos, Ben-Hur o uno de esos clásicos que echan en la tele año tras año y que ya os sabéis de memoria.

Hoy os voy a traer algo más moderno y que se llevó unos buenos palos por parte del público en general. Tanto creyentes como ateos, le dieron una buena tunda de proporciones bíblicas a ésta super producción fantástico religiosa.


La peli en cuestión es Noé, una película de 2014 en la que el director de grandes títulos como Cisne Negro o Réquiem por un sueño se lanzó a la piscina con ésta particular y curiosa adaptación de un texto bíblico. ¿Y cómo con un director así y un género tan "popular" puede fracasar un título como éste?, pues todo está en el enfoque.

En Noé se nos presenta lo que más o menos todos conocemos, un tío que recibe algún tipo de mensaje divino, se pone a construir un arca para salvar la vida en la tierra de un supuesto diluvio universal y todo el mundo lo toma por loco. Pero tanto que se ríen, al final llega la catástrofe y todos se mojan el culo menos Noé, la familia y los animalicos.


Hasta aquí la cosa no parece nada más raro de lo es o ha sido siempre, pero el "fracaso" de la cinta fue el enfoque. Ya que en esta representación del diluvio el director muestra a un Noé que lejos de ser un héroe bondadoso, se dedica a repartir castañas de las buenas y se va volviendo más rancio, obsesivo y paranoico durante el avance de la trama.

A todo ésto hemos de añadirle su estética fantástica, más propia de una peli de El Señor de los Anillos que de un título religioso para todos los públicos, con montañas y prados a tope, oscuridad, mogollón de efectos especiales, monstruos y luchas a muerte.  Sin duda una ambientación un tanto pagana y/o brujeril.


Tanto mezclar no es bueno,  ya nos lo decían de chavalines cuándo íbamos de fiesta, y lo que es una simple película fantástica con algo de acción, algo pretenciosa pero bastante entretenida tanto si te va el rollo religioso como el de greñudos paganos repartiendo manteca, se convirtió en algo así como un insulto para ambos "bandos" del público. Ya que por una parte, unos se quejaban de mostrar al héroe como un carácter y forma de hacer que no reflejaba la realidad, y por la otra parte se consideró una total aberración el mezclar el tema religioso con un entorno y apariencia del fantástico tipo Tolkien,


Noé no es la mejor película que vais a ver en vuestra vida, está claro, pero es entretenida, diferente y curiosa. Lo justo y necesario para pasar un buen rato frente a la tele.

Ideal para ver algo diferente en semana santa sin dejar de lado la temática de la festividad, acompañada de unas copitas de sangre de Cristo.

Ahí va el tráiler:



miércoles, 12 de abril de 2017

The British Corner: La última noche del "Titanic"

Hello, Dominguers! Es hora de ponerse el bombín y preparar el té, porque llega una nueva entrega de The British Corner.

El Titanic fue en su día el mayor orgullo del comercio marítimo británico. Construido en los astilleros Harland and Wolff de Belfast, su hundimiento en 1912 creó el mito de ser la mayor tragedia naval de la historia (algo que es incorrecto puesto que durante la Segunda Guerra Mundial el hundimiento de un barco alemán fue todavía más grave que el del Titanic), pero es evidente que el halo romántico que se creó a su alrededor (el buque más grande y lujoso del mundo se hundió en su viaje inaugural, las personalidades que viajaban, historias de héroes y cobardes, el famoso "mujeres y niños primero", la orquesta que tocó hasta casi el final...) sí hizo que éste fuese el naufragio más conocido de la historia.

Y desde entonces, ¿cuántas películas se han hecho sobre la tragedia del Titanic? Decenas de ellas, la más recordada de las cuales es la Titanic de 1997, de James Cameron (y también la que tiene más gazapos, increíble que con tantísimos errores fuese tan "oscarizada"). Hoy sin embargo, y aprovechando que la noche del próximo viernes se cumple el 105º aniversario de su hundimiento, vamos a revisar una película que cuenta con el beneplácito de muchos entendidos en el Titanic, asegurando que es la que más se aproxima a los hechos ocurridos: vamos con LA ÚLTIMA NOCHE DEL “TITANIC” (en inglés, A NIGHT TO REMEMBER).
 
 
La última noche del “Titanic” es una producción británica del año 1958, catalogada como drama y dirigida por Roy Ward Baker. Obviamente, nos cuenta los acontecimientos que tuvieron lugar la noche del 14 al 15 de abril de 1912 en el Titanic. Está adaptada de la novela homónima de 1955, escrita por el norteamericano Walter Lord.

El film se inicia con la representación de la botadura del Titanic. Enseguida se da paso a la escena de un tren en el que viaja el oficial Charles Lightoller (interpretado por Kenneth More) junto a su mujer Silvia (Jane Downs). Lightoller será el personaje que cobre más protagonismo durante toda la película, junto al constructor del barco Thomas Andrews (interpretado por Michael Goodlife), el capitán Edward J. Smith (interpretado por Lawrence Naismith) y el propietario de la naviera White Star, Bruce Ismay (interpretado por Frank Lawton).
 
 
Mientras se aproxima el día de la partida (10 de abril de 1912), podremos ver cómo se van ultimando los detalles para el viaje inaugural: en las oficinas de la White Star (cuyo edificio real aún sigue en pie en James Street, Liverpool) comprueban la tremenda cantidad de productos necesarios para atender a los pasajeros del Titanic; un acaudalado matrimonio se prepara para la travesía atlántica; unos jovenes católicos irlandeses zarpan a América en busca de un futuro más prometedor; y Charles Lightoller, hombre ambicioso, acata con resignación su puesto de Segundo Oficial a bordo, lejos de su soñado puesto de Primer Oficial.

A diferencia de otras películas, ésta no nos muestra la vida a bordo de los días que hubo entre el inicio del viaje y el fatídico hundimiento: directamente pasa de las escenas de la partida en Southampton al 14 de abril, en cuya noche se producirá el desastre. Se vivirán los acontecimientos a través de las miradas de algunos pasajeros de 1ª Clase, algunos de 3ª Clase y varios miembros de la tripulación (como, entre otros, los mencionados en el párrafo anterior).
 
 
Lejos de grandes efectos especiales (de hecho a lo largo de la película se pueden ver varios errores como un plano general del barco en que se ve claramente ser una maqueta, o imágenes de otros barcos que no se corresponden al "Titanic") e historias de amor entre pasajeros, "La última noche del 'Titanic'" quiere centrarnos en los aspectos directos del hundimiento, ofreciendo al espectador un "cómo" y un "por qué". Joseph Boxhall, que fue Cuarto Oficial en el infortunado buque, trabajó como asesor en los aspectos técnicos del film, lo que nos garantiza una aproximación bastante detallada de los acontecimientos. Todo, en poco más de hora y media.

Aquí va el tráiler:
 
 
Nos leemos en la próxima entrega. Ta-ra, lads!

domingo, 9 de abril de 2017

Your name (Kimi no na wa)

¡Muy buenas Dominguers!,

Ya se chavales que últimamente ir al cine da mucho palo, el precio está por las nubes y las pelis que ponen son más de lo mismo cada año, pero hoy os traigo un título recién estrenado por Selecta Visión que hará que cambiéis la tele y el DVD por una sala de cine. Valdrá la pena, ¡jurao!


La peli en cuestión es Your name (Kini no na wa), un anime del maestro Makoto Shinkai que trata sobre dos estudiantes de instituto (un chico de ciudad y una chica de pueblo) que por un motivo desconocido, cambian de cuerpo varios días al azar viviendo así el uno la vida de el otro.

Cada uno de los muchachos tiene sus movidas personales y entre ellos se van ayudando cada vez que cambian de cuerpo, dejándose recordatorios en el móvil con lo que han hecho el uno por el otro ese día y sin darse cuenta se va forjando una relación especial que los tiene algo confusos. Poco a poco van formando parte uno del otro.


La cosa se complica cuándo tras el paso de un cometa los intercambios de cuerpo, su única vía de contacto y comunicación, desaparecen de repente y surge en ellos una necesidad de encontrarse físicamente el uno con el otro antes de que sus recuerdos sobre tan maravillosa experiencia también se esfumen. Pero la cosa no será tan fácil ya que entra en juego un factor que no habían tenido en cuenta y que hará que la trama tome un carácter casi sobrenatural.


Drama, romance y fantasía es lo que podremos encontrar en éste impresionante culto instantáneo del anime japonés que pese a ser descaradamente la obra más comercial de su autor y sobrarle unos minutillos al final, es tan intensa, brillante y emotiva que te deja con ganas de verla una y otra vez. 

Además de dejarte en la mierda con una sensación entre la felicidad y la depresión, sello personal del director.

Ideal para verla sólo, en pareja, con amigos o con quién sea. Que para una vez que ponen anime en el cine (que no sea de Dragon Ball o de Ghibli) y además de calidad, hay que ir.

Aquí va el trailer:


viernes, 7 de abril de 2017

BAÑO DE SANGRE VOL. XX: “EDUARDO CASANOVA”

¡Bañistas!

Otro viernes más os traemos mierda fresca para amenizar vuestro fin de semana. Y, en esta ocasión, lo de la mierda fresca no lo decimos por decir... pero todo a su debido tiempo.

He hecho la prueba en mi círculo más cercano y, cuando les hablo de Eduardo Casanova, prácticamente el 90% no sabe a quién me refiero. Y es entonces cuando te toca decir eso de “sí, hombre, el Fidel de Aída” para recibir un “aaaah, vale” como respuesta. Esto es algo que está comenzando a cambiar desde que su primer largometraje Pieles se estrenó en la pasada edición de la Berlinale con un éxito rotundo que eclipsó incluso a las candidatas al Oso de Oro, y cambiará aún más cuando llegue su estreno en salas el próximo 9 de junio. Estoy seguro de que, para finales de 2017, Eduardo dejará de ser “Fidel, el de Aída” para convertirse en “el tío ese de las pelis raras”. Y es que, si bien su acogida en festivales está siendo generalmente positiva, la clara influencia en sus trabajos anteriores de pilares de la incomodidad fílmica como David Cronenberg, John Waters o David Lynch será difícil que cale en un público mayoritario que generalmente apuesta por propuestas más livianas. Pero, si lo hace, Eduardo abriría las puertas para lo que podría ser un soplo de aire fresco en el panorama cinéfilo estatal... que buena falta le hace.


El tiempo dirá.


Mientras esperamos (con el hype por las nubes, todo sea dicho) para poder ver Pieles, el mismo Eduardo tiene un canal de YouTube en el que tiene publicados prácticamente todos sus cortos hasta la fecha, los cuales os animo enérgicamente a ver. Estoy seguro de que no os dejarán indiferentes.

Con la excepción de Ansiedad, su primer trabajo como director, os vamos a desgranar uno a uno (¡y sin spoilers!) todos los cortos que os ayudarán a comprender mejor de dónde vienen algunos de los personajes de Pieles y cómo Eduardo Casanova lanza su ópera prima ya con un universo y una estética propios a sus espaldas.

Amor de Madre (2013)


Con su musa Ana Polvorosa como protagonista, Eduardo nos propone en Amor de Madre un tierno (a su manera) cuento de amor zombi que nos remite constantemente al cine de terror y ciencia ficción de serie B de los 40/50, no solo por los pósters y decorados del set en general, si no por su tono histriónico y exacerbado y sus incongruencias voluntarias que generan una intencionada comicidad. El tono verde que inunda todo anunciaba, 5 años atrás, los derroteros que el realizador madrileño iba a tomar en un futuro: la importancia de lo visual, cuidar hasta el más mínimo detalle con un evidente estilo kitsch de cosecha propia y lo social como trasfondo, aunque en este caso no sea quizás su trabajo más profundo si comparamos con lo que vendría después.

Fumando Espero (2013)


Con el pelo rubio platino cardado, un camisón fucsia exageradamente escotado y uñas largas, muy largas, a juego. Así aparece Cristina Fenollar tumbada en la cama, fumando y esperando al hombre que ama. Sabemos que algo no está bien desde el principio, que su obsesión va en aumento como la cantidad de cigarros que se acumulan en su cenicero. Pero, creedme, el giro de los acontecimientos os pillará desprevenidos.

Se pueden leer por la red en multitud de sitios algunas críticas que sugieren que Casanova se hace aquí amigo de la transgresión de baratillo, y no podría estar más en desacuerdo. Al igual que realizadores como Harmony Korine o el gran John Waters (en estilos y formas totalmente diferentes, por supuesto), la misión de Eduardo es mostrarnos lo más burdo, soez y deleznable de una sociedad en decadencia, en algunos casos llevándonos a pensar que, si el corazón y las tripas así lo dictan, ¿Por qué iba a ser algo incorrecto? Y así, con la lucha entre la moral, la razón y las entrañas, llegamos a un giro de los acontecimientos cuanto menos inesperado que te deja en shock, incómodo y con la mente tan gris como las paredes de la habitación. 

La Hora del Baño (2014)


Hace muy poquito daban el premio honorífico por su carrera a Macarena Gómez en el C-FEM, el festival de cine fantástico de Murcia. Y lo cierto es que no es para menos, puesto que Macarena lleva prácticamente dos décadas en las que, desde su debut en el largometraje con Dagon: La Secta del Mar de la Fantastic Factory de Brian Yuzna, ha participado en multitud de proyectos de cine fantástico y de terror. Actualmente sigue su recorrido por festivales el exitoso Behind de Ángel Gomez Hernández, acumulando premios y menciones a lo largo y ancho del globo, y estoy seguro de que Void Chair de Xavier Miralles también llevará la cara de Macarena a multitud de certámenes del género, tal y como lo hizo el pasado mes de febrero en el Festival de Terror de Sabadell.

Si bien estamos acostumbrados a ver a los personajes de la cordobesa en situaciones extremas, en el cortometraje que nos ocupa llega a niveles aterradores de histeria. Y es que La Hora del Baño es una montaña rusa de emociones que comienza con el llanto de un bebé despertando a su madre de un sueño que parece sacado de la mente del mismísimo Cronenberg. Lo que parece una situación cotidiana termina siendo un sórdido espectáculo de degeneración y locura en el que solo el sonido provoca una inconmesurable sensación de angustia. Perturbador, tremebundo y con más efectividad que cualquier método anticonceptivo. Ya no solo por ver hasta los extremos que te puede llevar un bebé, si no por evitar traer al mundo humanos que puedan convertirse en la escoria que son esos padres.

Un mensaje ambiguo que oscila entre la esperanza y el nihilismo, y unas actuaciones sublimemente histriónicas de Gonzalo Kindelán y la propia Macarena Gómez hacen de La Hora del Baño su trabajo más “disfrutable” (o padecible, según la sensibilidad de cada cual) hasta la fecha.

Eat my Shit (2015)


¿Cómo concentrar en poco más de 3 minutos la comedia más escatológica y el drama más surrealista? La respuesta la encontramos en Eat my Shit, el que probablemente sea el corto más conocido de Casanova debido a su participación en gran cantidad de festivales como el prestigioso SXSW de Austin, Notodofilmfest, o el mexicano Post Mortem.

Si habéis pillado la primera frase del artículo respecto a la “mierda fresca”, será porque ya habíais visto el corto, ya que en él se nos presenta a Ana Polvorosa como una chica con un esfínter por boca, triste y enfadada porque al subir un selfie a Instagram se la han borrado por contenido sexual. Harta de sentirse discriminada por algo que no ha podido escoger y de ser objeto de burla por parte de la gente, decidirá cagarse en la mediocridad. Literalmente.  

La Misma Piel (2015)


En esta fashion film financiada por Vogue, nos encontramos con la historia más surrealista de Eduardo hasta la fecha. Con su productora Carolina Bang como protagonista, el corto nos sitúa en un lujoso restaurante al que una chica llega con un inquietante mensaje para su camarera: “tú y yo tenemos la misma piel”. Si hablamos de estilo y forma, La Misma Piel es como si Tarantino intentara emular a Lynch en un set ideado por Cedric Gibbons. Un corto extraño, inquietante y visualmente espectacular que desentona del resto de sus producciones, lo cual no es en absoluto algo negativo.

Fidel (2016)


A Casanova le vino que ni pintado que, el pasado 25 de noviembre del 2016, Fidel Castro dijera adiós al mundo terrenal, porque aprovechó para presentar su personal visión de la muerte de Cuba tal y como la conocíamos antes del histórico cambio en las relaciones con EEUU. Su corto Fidel nos muestra al susodicho solo y desesperado en una habitación destartalada con un menú Whopper que le hace llorar, no sabemos si por haber tirado por el retrete 54 años de lucha convencida, o por haberse estado “perdiendo” ese sabor durante toda su vida.

Si bien es fácil pensar que Eduardo entra con este corto en la clara y directa crítica política, un servidor cree que las intenciones son mucho más cercanas al espíritu provocativo del punk que a cualquier ideología o pensamiento. No creo que las intenciones fueran más allá de crear una tragicomedia a partir de un tema espinoso, pero eso solo lo sabe su creador. Y tampoco es algo que importe… a menos que tu ideología haya hecho que pierdas el pragmatismo además del sentido del humor.  

Jamás Me Echarás de Ti (2016)


Es en su último corto hasta la fecha, Jamás Me Echarás de Ti, donde Casanova nos acerca más que nunca a un drama social con un estilo relativamente almodovariano, pero una vez más con su sello personal.

Un joven con unos rasgos faciales muy característicos, interpretado por el modelo Lle Godoy, vive bajo la tutela de su sobreprotectora madre, quien le inculca que no debe nunca mostrar su cara al mundo porque la gente es muy cruel, por eso le pide que nunca se quite la máscara. Y es que su madre tiene una enfermedad terminal que pronto le apartará de él, con lo cual le va preparando para el trágico desenlace.

Una vez más el leitmotiv de la gran mayoría de su trabajo se refleja aquí: que tu apariencia sea diferente no significa que tus sentimientos funcionen de forma distinta. Nos queda un largo camino como sociedad en cuanto a la aceptación de la gente físicamente diferente.

Esperamos que este artículo sirva para introduciros en el particular y único mundo de Eduardo Casanova, y os anime a invadir en masa el próximo 9 de Junio las salas para exigir que esta clase de propuestas distintas, arriesgadas y originales lleguen más a menudo a nuestras carteleras. Tal vez así más de uno sacaría la cabeza del culo y dejaría de decir eso de que “el cine español es una mierda”. Que, oye, si uno debe juzgar por lo que llega a las carteleras, la verdad es que a veces es normal pensarlo.  


Óscar Lladó

miércoles, 5 de abril de 2017

La Biblioteca de Margot: Filth

¡Muy buenas dominguers!

En esta edición de La Biblioteca os traigo una adaptación de la novela homónima de Irvine Welsh, más conocido por ser el autor de Trainspotting. Esta película escocesa está dirigida por Jon S. Baird y protagonizada por James McAvoy y gira en torno al empeño de un policía corrupto de Edimburgo por conseguir un ascenso a toda cosa para recuperar a su ex-mujer.

El título me parece bastante acertado, ya que Filth es todo lo bruta, sucia e inmunda que puede ser. Olvidad al policía arquetipo modelo del cine, Bruce Robertson es malhablado, drogadicto, machista, sucio, misántropo, adicto al sexo y altamente corruptible en una Escocia podrida y sórdida. Sin duda alguna, la película resulta un vehículo perfecto de lucimiento para un James McAvoy desinhibido; encargado de dar vida al protagonista absoluto de la función, en una gran elección de casting. McAvoy consigue que su personaje resulte desagradable, incluso que lo odiemos; pero al mismo tiempo consigue que sintamos lastima por él, llegando a guardar cierta simpatía pese a todas las aberrantes acciones que le hemos visto cometer durante todo el metraje. El protagonista se encuentra en todo el momento arropado por una genial corte de secundarios, en el que destacaría Eddie Marsan, bordando el que seguramente sea el personaje más inocente de la obra, lo que le convierte en una de las presas predilectas de Bruce Robertson.


Es una obra que va in crescendo. Empieza presentando el personaje, sus motivaciones y sus múltiples defectos, para poco a poco ir profundizando en todos ellos, haciendo que el espectador pueda conocer poco a poco el pasado del protagonista, revelando así la respuesta a los interrogantes acerca de su comportamiento presente. Lo que en un principio parecía una simple comedia zafia acerca de un personaje abominable, resulta esconder bajo su piel un amargo drama que irá enseñando los dientes poco a poco. Si el principio era prometedor, los compases finales del metraje llegan a ser apoteósicos, a los cuales se les ha añadido unos curiosos créditos de despedida que no tienen desperdicio.

En definitiva, una película llena de excesos y alucinaciones que esconde un drama humano cargado de arrepentimiento. Como siempre os dejo con el trailer a continuación, aunque debo decir que esta vez recomiendo pasar de él para no llevarse una idea equivocada de la película:


Margot